Bases Intermedia

En esta categoría se concursará en media punta y en puntas de acuerdo con la decisión de cada participante conjuntamente con su maestro-ensayador.

Los participantes se presentarán con una única coreografía libre o variación clásica. En el caso de la coreografía de temática libre, esta no deberá exceder los 2:30 minutos de duración (no hay límite de tiempo para las variaciones clásicas). Se considera "libre" variaciones que no pertenecen al repertorio clásico-tradicional y cuya secuencia de pasos académicos cuenta con los 3 elementos esenciales de la técnica clásica: adagio, allegro y giros.

Los giros deben partir de una posición limpia (5º o 4ª…) y buscar terminar "arriba", en equilibrio, para asegurar un buen aplomo al pisar al terminar. Debe estar bien definido el "spot". Mostrar el control de las piernas en l'air en las diferentes direcciones. Para el allegro es esencial el uso del plié en buena alineación. Tener en cuenta la utilización del espacio, la selección de la temática, los pasos dentro de la variación, la musicalidad, así como la armonía y combinación de los pasos que deberán enlazarse con fluidez.

En esta categoría se concursará con una única coreografía de temática libre que no exceda los 2:30 minutos de duración.

Se evaluará el uso de un espacio definido, los diferentes cuadrantes o regiones del escenario.

Uso claro de los 3 niveles; ser consciente y congruente con la noción de que los niveles bajo, medio y alto pueden hacer referencia a características opuestas y complementarias. En este apartado entran los saltos pequeños y grandes. Uso correcto de las transiciones, organicidad de la secuencia, considerando los silencios, los acentos, los puntos fuera de centro y equilibrios; puede ser tilt (plano lateral), pitch (plano sagital), caídas con suspensión en segundo y/o tercer nivel, deslizamientos o vuelos (plano horizontal). Deconstrucción/reconstrucción del movimiento (lenguaje contemporáneo). Uso de dinámicas y calidades de movimiento que reflejan la naturaleza del tema o motivo, así como la conciencia y control del participante: fuerte/débil, rápido/lento, ligado/percutido, amplio/concentrado.

Generación de volumen y tridimensionalidad; mover el espacio, la energía, la proyección escénica, considerar todos los frentes y no solo la "cuarta pared" (el público): ser y estar, no solo aparentar.

Contemplar elementos de técnica jazz tales como el trabajo del muelleo con un buen plié, isolations, desplazamientos (ball changes, drags, slides, jazz walks…) saltos, giros (regulares, cerrados, en diferentes niveles, fuera de centro…), grandes giros sostenidos, caídas, entradas y salidas del piso, elevaciones de piernas (battements, tilts, lay out, rond de jambe…) y uso de fuera de centro, uso de hombros y movimientos corporales específicos como shivers, shimmie, head roll, ondulations… así como matices claros, fuertes, uso del timing coreográfico, cadencia, ritmo, uso de la síncopa. El rigor técnico es muy importante por su dinamismo, sus cualidades de movimiento, así como desarrollar una coherencia histórica, la carga energética e interpretativa.

Los maestros deben cuidar que cada variación tenga un estilo propio adecuado a las posibilidades de cada participante y que se ajusten a su edad y nivel.

En esta categoría se concursará con una única coreografía de temática libre que no exceda los 2:30 minutos de duración.

Se evaluará el uso de un espacio definido, los diferentes cuadrantes o regiones del escenario.

Uso correcto de las transiciones, organicidad de la secuencia, considerando los silencios, los acentos, los puntos fuera de centro y equilibrios; inclinación-tilt (plano lateral), pitch (plano sagital), caídas con suspensión en segundo y/o tercer nivel, deslizamientos o vuelos (plano horizontal). Deconstrucción/reconstrucción del movimiento (lenguaje contemporáneo). Uso de dinámicas y calidades de movimiento que reflejan la naturaleza del tema o motivo, así como la conciencia y control del participante: fuerte/débil, rápido/lento, ligado/percutido, amplio/concentrado.